ПравилаРегистрацияВход
НАВИГАЦИЯ

Памятные даты

Модераторы: Lorian, Okcu, Grindi
Список форумов » КультураНа страницу  1, 2, 3 
АВТОРСООБЩЕНИЕ
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
16 мая 2009, 14:39
В своих сюжетных работах-«Кот в дороге», «Маруся кудель пряла», «Жнущая казачка и молодой казак» Примаченко находит интересный композиционный прием, отвечающий общему декоративному строю ее произведений. Рисунок делится на планы, следующие один за другим. При кажущейся плоскостности изображения взаимодействие этих планов создает пространственный эффект, благодаря которому многочисленные предметы непринужденно размещаются на плоскости картины, не загружая ее. Это умение найти верное композиционное решение присуще Примаченко от природы, так же как чувство ритма, пластики линий и цвета, гармонии целого.
Не так давно работы Примаченко предстали перед зрителем в новом своем качестве-в иллюстрациях детских книг, вышедших в киевском издательстве «Веселка» в начале 70-х годов. Иллюстрации детских книг раскрывают еще одну грань таланта народной художницы, покоряют своей радостной непосредственностью, близостью к миру детского воображения, органическим слиянием слова и изображения.
картина

Нынешний год объявлен ЮНЕСКО Годом Марии Примаченко, - в честь 100-летия со дня рождения украинской художницы (одной из немногих, получивших мировое признание).

26 декабря 2008 года Национальный банк Украины ввел в обращение юбилейную монету номиналом 5 гривен, посвященную Марии Примаченко.
Юбилейная монета, выпущенная тиражом 5 тыс. штук, изготовлена из серебра 925-й пробы, массой 15,55 г и диаметром 33 мм.
На аверсе монеты размещена композиция: вверху — малый Государственный Герб Украины, под которым надпись: «Национальный банк Украины», стилизованное произведение Марии Примаченко 1983 года «Космический конь», под которым номинал и год чеканки монеты: «5 гривен 2008».
На реверсе монеты — портрет Марии Примаченко на фоне ее произведения 1991 года «Украинский подсолнечник», над которым надпись полукругом: "Мария Примаченко", по левую сторону — вертикально годы жизни — 1908-1997.
монета
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
19 мая 2009, 16:26
Жан-Батист Ванлоо
(1684-1745)

___________

325 лет со дня рождения

Жан-Батист Ванлоо (1684-1745) принадлежит к многочисленному семейству французских художников XVII-XVIII веков, происходящих с юга страны. Он родился в Эксе, учился у своего отца Луи Ванлоо и впоследствии стал учителем своего сына-Луи-Мишеля.

Как многие живописцы своего времени, Ванлоо работал по заказам. Он относился к искусству как к художественному ремеслу: был мастером своего дела, но подчинялся вкусам заказчиков и не стремился проявить собственную индивидуальность. Основная область его работы-мифологические картины и портреты знати. До того как очутиться в Париже, Жан-Батист Ванлоо работал в Генуе, Турине, Риме, расписывал плафоны в замке в Риволи. С 1720 года он получает регулярные заказы на картины в Париже, с 1731 года становится членом Академии художеств. Ванлоов это время-любимчик придворной знати, ему заказывает свой портрет сам король-Людовик XV. В конце 30-х-начале 40-х годов Ванлоопокоряет Англию-там также он пишет ряд портретов придворных.

Известный своими авантюрными похождениями Джакомо Казанова оставил в мемуарах весьма точные заметки о портретном искусстве первой половины восемнадцатого века. Так, например, он повествует о неком быстро разбогатевшем художнике, который делал портреты, не видя модели, по описанию. Казанова устанавливал три типа портретного искусства. Первый, по его мнению, это такой, который передает точное сходство, но может 'обезобразить'. Второй воспроизводит модель в совершенстве. И, наконец, третий-это когда художник, передавая сходство с моделью, делает ее более красивой. Этот третий тип, который больше других нравился Казанове, и был наиболее распространенным в эпоху рококо типом 'облагораживающего портрета'. Художники в то время действительно писали портреты если не по словесному описанию, то часто лишь по беглому наброску. Графини и маркизы не всегда стремились тратить много времени, чтобы позировать художнику, а портрет должен был показать их красавицами. Поэтому модели рокайльных портретов порой больше похожи друг на друга, чем на самих себя. Писать женские портреты Ванлоо был особенный мастер. Он часто представлял своих героинь в неких возвышенных образах-например, в виде античных богинь, муз. Уже в одном этом было великое средство польстить изображенной даме. Или, например, изобразить благородную даму серьезно беседующей с маленькой птичкой, которую она держит на пальчике, как, например, в эрмитажном портрете. Дорогие ткани, в которые наряжались заказчики, художник умел передавать изысканными жемчужно-серыми, винно-красными, густо-малиновыми тонами, подчеркивая бархатистость велюра, блеск парчи, мерцание жемчуга, мягкость горностаевой шкурки или нежную прозрачность брабантского кружева.
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
19 мая 2009, 17:26
В мужских портретах рокайльные живописцы более сдержанны, но и здесь для них важнее создать парадный, возвышенный образ, нежели рассказывать о своей модели, выявлять черты характера данного человека.

Большой мужской парадный портрет сэра Роберта Уолпола, принадлежащий кисти Жан-Батиста Ванлоо, хранится в Эрмитаже. Уолпол изображен на нем в полный рост, в торжественном одеянии. Портрет, вероятно, относится к тому периоду, когда Ванлоо работал в Лондоне. Роберт Уолпол -английский государственныйдеятель, главный лорд казначейства и канцлер. Он был владельцем наследного замка Хоутон-Холл, где хранилась большая коллекцияживописи. Во второй половине XVIII столетия, когда стали формировать первый русский музей - Эрмитаж, купили и эту коллекцию. Вместе с другими картинами попал в Эрмитаж и портрет, изображающий ее прежнего владельца.

Жан-Батиста Ванлоо, так же как и его современников-Жан-Марка Наттье, Луи Токке, скульптора Жан-Жака Каффьери, историки искусства порой упрекают в поверхностности, шаблонной салонной лести. Что поделаешь, это не столько вина их самих, сколько черта их эпохи. Они писали (а общество требовало, чтобы они писали) не людей, а их светские маски. И если маска придворного XVII столетия представляла собой величавость, надменность, гордость, что отражало самоощущение аристократов-как воплощения достоинства всей Франции, то следующее столетие снизило былой уровень самооценки личности. Галантные мужчины, кокетливые и слегка инфантильные дамы уже не чувствовали, что от них зависит судьба отечества. Хитрость и умение спрятать свои личные цели за невинной миной обусловливали успех в дворцовых интригах. Потому и взираем мы с легкой улыбкой на персонажей портретов Ванлоо, который, потакая своим моделям, невольно обнажил перед историей приемы и условности их светской игры.
Аполлон и Дафна

Портрет Кристины Бойе

Рабыня , подносящая кофе султанше
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
27 мая 2009, 18:38
¤

Питер Де Уинт (1784-1849)

_______________

225 лет со дня рождения

Имя английского художника-акварелиста Де Уинта мало что скажет любителям искусства. Публикации о нем скудны, а сколь-либо серьезные исследовательские работы, посвященные его творчеству, почти отсутствуют. Начало систематического изучения искусства Де Уинта относится лишь к 1979 году, когда была организована большая выставка рисунков и акварелей художника в залах музея Фитц Уильям (Кембридж), познакомившая широкую публику с одним из наиболее элегических художников английского пейзажа.

Де Уинт родился в Стоуне, Стэфордшир, в семье врача голландского происхождения. Рисование привлекало его с детства. В 1802 году он уезжает в Лондон и поступает в
ученики к граверу Джону Рафаэлю Смиту, у которого еще не так давно молодые друзья Тернер и Гиртин раскрашивали гравюры. За годы учения Де Уинт подружился с Вильямом Хильтоном - впоследствии известным историческим живописцем. В 1810 году Де Уинт женился на его сестре, а родной город Хильтона-Линкольн, его окрестности и простые безыскусные ландшафты центральных графств Англии-стали излюбленной темой искусства художника.

Собственный стиль Де Уинта отличает любовь к сочному, глубокому цвету. В мастерской Смита Де Уинт много занимался масляной живописью, да и затем писал маслом, однако его картины не пользовались успехом. Наиболее полно способности художника проявились в акварели.

При жизни Де Уинт был постоянным участником различных выставок и пользовался определенным успехом. Первое известное нам участие художника в выставке относится к 1807 году. На следующий год Де Уинт экспонирует в галерее Ассоциации художников-акварелистов четыре акварели, в том числе работу «Вестминстер». Старый Вестминстерский дворец изображен со стороны моста, сквозь легкую дымку проступают зубчатые башни аббатства, до самого горизонта величественно катит свои воды Темза. Некоторая топографичность изображения не мешает ощутить тонко переданную атмосферу спокойствия и красоты летнего дня. Один из современных художнику критиков, назвав эти работы первоклассными, писал, что в них «точность наблюдения натуры, прекрасное владение формой, большая правда и простота цвета характеризуют стиль художника».

Около тридцати лет посвятил Де Уинт книжной иллюстрации. Наполеоновские войны явились причиной общего экономического кризиса, отразившегося и на рынке искусства- спрос на живопись и акварели упал. Де Уинт, как и его современники (Тернер, Котман, Кокс), обратился к книжной иллюстрации как одному из возможных видов заработка. Де Уинт иллюстрировал книги и альбомы, связанные в основном с историей и географией: «Живописное описание южного побережья Англии» и «Виды Темзы» Кука; «История Чешира» Джорджа Ормерода; «Альбом шотландских пейзажей» Тиллот-сона и другие.

Однако наиболее постоянным источником средств к существованию оказалась его преподавательская деятельность. Мастерская Де Уинта была в моде. Его ученики и ученицы так точно восприняли стиль своего учителя, что сегодня исследователям не всегда удается с уверенностью атрибуировать работы Де Уинта.
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
27 мая 2009, 18:47
Со своими многочисленными учениками он обычно занимался в течение весны и раннего лета, остаток лета и осень были посвящены путешествиям (в основном в районы Линкольна и центральных графств), зима же была отдана собственно работе-рисованию и живописи. Таков несложный ритм почти всей его жизни. В 1828 году Де Уинт совершил свою единственную поездку на континент, в Нормандию. Северная Франция не произвела на художника большого впечатления, несколько рисунков Руана, Фьекампа и Дьепа-единственный результат путешествия. Гораздо более плодотворной была его поездка в Северный Уэльс, величественные и дикие пейзажи этой местности многие годы вдохновляли искусство художника.

Акварели Де Уинта очень разнообразны. Некоторые работы выполнены в широкой легкой манере с великолепно переданной атмосферой и настроением пейзажа, другие-скрупулезны и дотошны, как, например, акварель «Собор в Линкольне», где с большой тщательностью изображены сам собор, застройка переднего плана, городская площадь с зеленым базаром, фургон, запряженный лошадьми, горожане, вышедшие за покупками, лавочник, стоящий в дверях своей лавки, и т. д. Собственно фигурных зарисовок или портретов почти нет в его искусстве. Сохранился единственный карандашный автопортрет художника, однако он время от времени вводил в свои пейзажи разнообразные жанровые сценки сельской и городской жизни. Де Уинт питал особое пристрастие к речным пейзажам с подробно проработанной перспективой, в них ощутимее всего сказалось влияние голландской живописи XVn века, в частности Ф. Конинка, Рюисдаля, чьи работы он мог видеть и копировать в домах своих учеников. Интересны в искусстве Де Уинта его «небрежные» наброски с натуры, сделанные просто так, для себя, или как «памятка» на зиму, которой он сможет воспользоваться для чего-нибудь более фундаментального. Эти акварели поэт Джон Клэр назвал «рисунками на полях, наполненными солнцем и живительным дыханием свежего воздуха, когда гармония земли, воздуха и неба образует некий счастливый союз серых и зеленых оттенков, благодаря которым плоский кусок бумаги в несколько дюймов наполняется безграничным пространством».

В своих набросках и акварелях Де Уинт умел великолепно передать меняющееся настроение английской сельской местности, став одним из наиболее лиричных и поэтичных художников-пейзажистов первой половины XIX века. И хотя он не достигал тех высот, на которых пребывали его великие современники -Констебль и Тернер, однако в лучших своих работах он мало чем уступал им в своем понимании гармонии природы. «Я так люблю живопись,-часто говорил художник,-я не бываю более счастлив, чем когда наблюдаю природу. У меня великолепная профессия».

Использованы материалы статьи Е.Поляковой
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
3 июня 2009, 10:20
¤

Самуэл Купер
(1609-1672)

___________

400 лет со дня рождения

Его называли «Ван Дейком в миниатюре», «королем портрета» и еще-«первым, кто наделил искусство миниатюрного портрета силой и свободой масляной живописи».

Сегодня репутация Купера так же высока, как и при жизни. В отличие от многих художников, ему не пришлось годами ждать признания. В свои 30 лет он уже считался одним из лучших миниатюристов Европы.

О жизни Купера известно очень мало. Государственные бумаги, редкие упоминания современников и несколько писем друзей Купера - вот то немногое, чем пользуются его биографы. А между тем многочисленные связи и знакомства в высших кругах общества, где протекала жизнь Купера, могли бы оставить более ощутимые свидетельства его жизни. Он много путешествовал по странам Европы, был знаком с величайшими умами Франции, Голландии, Англии. Очевидно, он был широкообразованным человеком. Современники упоминают о его замечательных способностях музыканта и о знании многих иностранных языков. Короткую характеристику Купера оставил нам Козимо III Медичи. Он много слышал об этом художнике еще до своего приезда в Англию в 1669 году, знал, что мало кто возвращается из Лондона, не попытавшись заполучить свой портрет работы Купера, которого высоко чтят в королевстве и за его пределами. Козимо III описывает Купера как «маленького человека, живого и остроумного, любезного хозяина своего великолепно обставленного дома».

Самуэля Купера и его старшего брата Александра воспитывал их дядя-Джон Хоскинс, художник-миниатюрист. Он же был первым учителем Купера. Редкостные способности племянника приводят к тому, что портреты заказчиков начинает писать исключительно Купер, Хоскинс же работает лишь над фоном. Очень скоро племянник превосходит дядю, а его популярность начинает расти с невероятной быстротой. Можно предположить, что Купер прекратил совместную с Хоскинсом работу с тех пор, как переехал в собственный дом около 1642 года. Отныне все работы художника датированы и подписаны.

Купер был женат на Кристине Тёрнер-одной из семнадцати детей йоркширского землевладельца. Ее родная сестра Эдит была матерью известного поэта Александра Попа. Куперы, видимо, были бездетны. Во всяком случае, составляя завещание, Купер назвал жену единственной своей наследницей. Она была моложе его на 14 лет и намного пережила мужа. Единственный известный нам ее портрет- великолепная незаконченная миниатюра из коллекции герцога Портлендского.

В ранних работах Купера заметно влияние Хоскинса. Позднее, как и многие художники его времени, Купер увлекся живописью Ван Дейка и неоднократно копировал его работы. Он полностью овладел барочным рисунком и тонкой моделировкой, свойственной масляной живописи на холсте, и сумел воспользоваться ими в своих акварельных миниатюрах. Этот прием был чем-то совершенно новым, неизвестным его предшественникам- Хийарду, Оливеру, Хоскинсу, чьи работы шли от традиций книжной миниатюры. Известная миниатюра этого периода-портрет Маргарет Лемон в мужском костюме-свидетельствует о зрелом мастерстве художника.
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
3 июня 2009, 17:05
В отличие от многих модных портретистов его времени, Купер умел передавать индивидуальные черты своих моделей. Его портреты отличает тонкая цветовая гармония, лица тщательно промоделированы, характеры живые и выразительные. Большинство миниатюр выполнено на фоне пейзажа, краски фона приглушены, в то время как лица и костюмы выделяются своим ясным чистым цветом. Купер не любил писать аксессуары, предпочитая сосредоточиваться на характере модели. Однако если ему приходилось по воле заказчика писать пышные наряды, сложные прически-он справлялся с этим с большим блеском. Он одинаково хорошо выполнял мужские и женские портреты и писал свои модели с симпатией и пониманием. Таков портрет архиепископа Кентерберийского-Жилберта Шелдона (1667) или прекрасная миниатюра Джеймса, герцога Йоркского (1661), хранящаяся в музее Виктории и Альберта; замечательна серия миниатюр из коллекции герцога Портлендского. Стоимость миниатюр Купеpa неуклонно росла. Если в 50-х годах портреты Купера стоили 12фунтов, то через двадцать лет Козимо Ш Медичи платил ему уже 150 фунтов, то есть Купер получал за свою работу столысо же, сколько ведущие «большие» живописцы его времени. Единодушное согласие скупой английской аристократии щедро оплачивать труд художника-наиболее ощутимое свидетельство его славы.

Интересно, что репутация Купера-художника ставила его выше всех политических бурь и интриг. И тот факт, что в период Английской республики он работал для Кромвеля и его окружения, не составил препятствия для королевского и придворного покровительства, которое он получил тотчас же после Реставрации.

В 50-е годы Купер создает несколько замечательных портретов Оливера Кромвеля, в том числе его самую известную незаконченную миниатюру начала пятидесятых годов; усталое, волевое лицо Кромвеля передано с редко встречающейся в XVII веке силой реализма. Купер пишет миниатюрные портреты Елизаветы Борчир- жены Кромвеля, его дочерей, сыновей, соратников. Он так занят этой работой, что остальным заказчикам почти невозможно добиться чести позировать ему.

1660 год в Англии-год Реставрации. Король Карл П, сын казненного Карла 1, возвращается в Лондон. Первые его действия-казнь убийц отца, повешение вырытого из могилы тела Кромвеля и... посещение студии Купера.

Карл II был большим любителем живописи. Как и следовало ожидать, Купер пишет бесконечное число его портретов. На знаменитой миниатюре 1665 года король изображен в парадной одежде с орденской лентой и орденом Подвязки. Свои лучшие миниатюры Купер создает в последние двенадцать лет жизни. Карл II производит его в королевские портретисты и назначает ему ежегодное жалованье. Купер пишет миниатюры короля, его многочисленных возлюбленных, их потомство, придворную знать. Количество заказов превышает его возможность справиться с ними и удовлетворить всех желающих.

До недавнего времени были известны лишь два рисунка Купера: набросок Карла II (Виндзор) и рисунок Томаса Алкока (Эшмолен музей,0ксфорд). Несколько лет назад было обнаружено еще четыре великолепных рисунка, позволяющих понять восторги современников Купера, упоминающих его «редкий карандаш», которому, возможно, нет равных в Европе.

До последних дней Купер продолжал работать с неиссякаемой энергией и неослабевающим мастерством-примером тому может служить великолепная миниатюра лорда Шлифор-да, датированная 1672 годом-годом смерти художника.

Имя Купера высоко ценится в Англии и за ее пределами. Англичане считают его самым великим миниатюристом XVII столетия.
Использованы материалы статьи Е.Поляковой.

Самуэл Купер
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
16 июня 2009, 16:11
¤

¤ Шэнь Чжоу (1427-1509)

____________

500 лет со дня смерти


Художник Шэнь Чжоу прожил много лет и успел прославиться еще задолго до своей смерти. Последователи и почитатели заметно выделяли Шэнь Чжоу среди его современников и отводили ему весьма почетное место в истории всей китайской живописи. Ближайший ученик мастера Вэнь Чжэн-мин считал даже любимого учителя воплотившимся бессмертным гением, одним из тех, кто, согласно китайской мифологии, редко, но все же приходит в человеческий мир.

В чем причина столь высокой традиционной оценки мастера? Дело в том, что китайский художник издавна оценивался не только по своему искусству. В расчет принимался и, как сказали бы сейчас, «творческий путь», и весь образ жизни, который должен был соответствовать определенным, складывавшимся веками представлениям.
Китай является единственной в мире страной, где культурная традиция, зародившись в глубокой древности, практически никогда не прерывалась. История изобразительных искусств в Китае насчитывает более тысячи лет, и естественно, что за это время успели сложиться достаточно строгие каноны, определившие формально-стилистические и сюжетные особенности живописи. Наряду с этим существовал и своеобразный канон жизни художника. Следуя лежащему в самой основе китайской культуры принципу соответствия образцам прошлого, бесчисленные поколения китайских художников и поэтов стремились «подражать древним» и в искусстве, и в жизни. Особенно сильной тяга к идеализированным старинным манерам была во времена зрелого и позднего средневековья, то есть в периоды правления династий Мин и Цин.
Династия Мин (1368-1644) пришла к власти в результате победоносного народного восстания, уничтожившего власть монгольских правителей, владевших Китаем немногим менее века. Новые императоры провозгласили возврат к истинно китайским старым порядкам, и посему всячески поощрялось культивирование освященных традицией обычаев и представлений. Шэнь Чжоу был вполне последовательным и законченным художником-традиционалистом. Он жил в I половине периода Мин, то есть во время, благоприятное для развития его собственных душевных склонностей. Удачное сочетание индивидуальных устремлений быть совершенным человеком искусства по образцу древних с приязненным настроением умов и, конечно, немалый талант живописца и сделали Шэнь Чжоу прославленным и уважаемым «достопочтенным мастером Шэнем», как именуется он в старых текстах.

Шэнь Чжоу принадлежал направлению вэньжэньхуа, что можно перевести как «живопись художников-литераторов», или «живопись интеллектуалов». Направление это надо понимать не как европейскую школу или стиль. Объединяла художников вэньжэньхуа не столько общая манера живописи, сколько философское и религиозное родство их воззрений. «Художники-интеллектуалы» традиционно не связывали себя государственной службой, они держались в стороне от политических дел и официальных чиновных рангов. В семье Шэнь Чжоу несколько поколений его предков были художниками-любителями и поэтами. И сам живописец никогда не заботился об официальной карьере и выгодных должностях. Он в полном соответствии со знаменитыми мастерами прошлых столетий всецело посвятил себя изящным искусствам. Естественно, что Шэнь Чжоу мог позволить себе беспечно предаваться возвышенным занятиям, происходя из состоятельной семьи. Однако и когда его обстоятельствам случалось ухудшиться, он не отягощал себя заботами о житейской прозе. В его жизнеописании рассказывается, что когда губернатор провинции, глубоко уважая Шэнь Чжоу за знания и талант, хотел назначить его на почетную и не слишком обременительную должность, художник обратился к гаданью и, в соответствии с выпавшим жребием, отказался.
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
16 июня 2009, 16:24
Шэнь Чжоу выстроил себе простую келью в бамбуковой роще и вел в ней уединенную жизнь философа, наслаждаясь природой, создавая живописные картины и сочиняя лирические стихи. Большинство китайских художников направления вэньжэньхуа известны и как поэты. Умение слагать стихи почиталось в старом Китае непременным условием образованности и тонкого вкуса. Шэнь Чжоу следовал в своих стихах выдающимся поэтам ушедших веков - Бо Цзюй-и, Су Ши, Лу Ю и другим.

Любуясь красотами окружающих гор и рек, художник нередко проводил в созерцании дни и ночи. Обобщенный образ ученого мужа, постигающего в единении с природой загадки бытия и мироздания, Шэнь Чжоу запечатлел в картине «Играющий на цине», хранящейся ныне в музее города Осака в Японии. Художнику несомненно близок его герой, можно сказать, что в какой-то степени это автопортрет самого мастера. Небольшая фигура органично слита с окружающим ее ландшафтом, являясь его равноправной частью, как деревья или скалы. На свободном от изображения пространстве картины Шэнь Чжоу поместил поэтический текст, написанный изящным каллиграфическим почерком:

В руках моих цинь, а в небе луна,
Я трогаю струны, любуясь луной.
Свеж ветерок, и ярка луна,
Я чувствую, словно бессмертен я...
Но время уходит, садится луна,
И в котелке уж остыло вино.

Поэтические надписи - тиба - не редкость в картинах художников-литераторов. Иероглифический текст дополняет и углубляет изображенный сюжет, заставляя свиток играть новыми обертонами смысла.

Нередко Шэнь Чжоу посещали в его уединении друзья. Постепенно вокруг него сложилась известная в истории китайской живописи «школа У», названная так по местности У, расположенной к югу от Янцзы, с центром в городе Сучжоу, где родился Шэнь Чжоу. В XV веке на юге Китая были сосредоточены наиболее значительные художественные силы, и именно Шэнь Чжоу считался одним из первых.

Художники «школы У» и, конечно, «первый среди равных» мастер Шэнь следовали в своем творчестве живописцам периодов Сун и Юань, копируя и создавая вольные парафразы Ма Юаня, Ся Гуя, Ни Цзаня, Ван Мэна и других. В сохранившихся более чем двухстах работах, носящих печать Шэнь Чжоу, можно видеть образцы умелого творческого повторения манеры знаменитых мастеров прошлого. Кстати, далеко не все картины с печатью Шэнь Чжоу написаны им. К старому мастеру, чьи свитки высоко ценились, нередко приходили ученики с просьбой поставить свою печать на их живопись, дабы потом подороже продать ее. И добрый учитель, как гласит предание, никогда не отказывал. Сам Шэнь Чжоу, как истый «художник-интеллектуал», обычно не продавал своих работ, а дарил друзьям и всем любителям живописи, просившим его об этом.

Лучше всего Шэнь Чжоу удавались небольшие альбомные листы и свитки горизонтального формата. В его вертикальных композициях иногда заметно неполное владение пространством и планами разной глубины. Художник практически не писал портретов конкретных людей. Его поэтическое видение полностью раскрывалось в пейзажах. За одухотворенную жизненность образов природы, пробивающуюся сквозь искусные стилизации, китайские историки искусства зачислили Шэнь Чжоу в высший класс живописцев- шэнышнь. Старинная книга о живописи так говорит о нем: «Легкими и раскованными были его картины. Он всегда был прост, хоть и многого достиг».
Использованы материалы статьи Е.Шнейдера
Okcu
Moderator
Avatar
Имя: Оксана
Сейчас нет на сайте
Репутация: 4
Регистрация: 4.07.2008
Всего сообщений: 1271
Откуда: Ростов -на - Дону
20 июля 2009, 23:21
¤
ОГЮСТЕН ПАЖУ
(1730-1809)

____________
200 лет со дня смерти

¤
Огюстен Пажу родился 19 сентября 1730 года в Париже в семье скульптора-
орнаменталиста Мартена Пажу. Мать Огюстена была дочерью Е. Питиона - теперь
почти забытого парижского скульптора, а крестным отцом мальчика стал Огюстен Гренье
- также скульптор. Подобное окружение и рано проявившаяся
склонность к скульптуре заранее исключали необходимость выбора будущей
профессии. Способностями мальчика заинтересовался хозяин мастерской, где работал
отец Пажу. Так в четырнадцатилетнем возрасте его определили в ателье одаренного
скульптора и талантливого педагога Жана-Батиста Лемуана , работавшего в стиле рококо , умевшего как никто другой , выявлять способности своих учеников. Через четыре года
Огюстен Пажу был принят в королевскую школу избранных учеников, руководимую в те годы
живописцем Карлом Ванлоо . В 1751 году Пажу завершил обучение в школе, получив
право поездки на четыре года в Италию для изучения величайших произведений
искусства прошлых веков.
В Риме Пажу был деятельно занят копированием памятников, отдавая
предпочтение античности. В нем неожиданно проявились яркие способности
рисовальщика. Директор Французской Академии художеств в Риме, Натуар, посылая
регулярные отчеты о работе пенсионеров, писал М. де Мариньи: "Посылаю Вам
несколько рисунков Пажу, сделайте одолжение посмотреть их, мне кажется, что он
делает успехи в этой области, не совсем обычной для скульптора".

Возвращение молодого скульптора в Париж было принято весьма благосклонно. Одна из первых
скульптур, выполненная Пажу дома, - бронзовый бюст его учителя Лемуана . В этом произведении сказался результат итальянских штудий античной скульптуры. Несмотря на то , что Пажу сумел точно передать хорошо знакомые ему черты своего первого наставника , от скульптурного бюста тем не менее веет духом возвышенной античности : фигура обнажена , голова дана в резком повороте , решительный взгляд , откинутые с большого лба волосы . . . при всей характерности модели , образ несколько холоден и отчужден.
Вначале Пажу зарабатывал на жизнь, декорируя церкви и выполняя заказы на
надгробные стелы. Но уже через четыре года после возвращения из Италии он получает звание академика за выставленную на одном из Салонов
мраморную композицию "Плутон с Цербером", находящуюся сейчас в Лувре. Тщательно моделированное обнаженное тело Плутона изображено в энергичном развороте, нога
заложена за ногу , голова решительно повернута в сторону, в
руках он держит массивную цепь , на которой извиваются собачьи головы Цербера.
В этой скульптуре, так же как и в бюсте Лемуана, легко обнаружить влияние античного прототипа. Пажу был одним из первых приверженцев французского
классицизма, получившего позднее название "стиль Людовика XVI".

С 1768 года и до конца жизни Пажу занят выполнением огромного количества
официальных заказов. В течение двух лет он работает по украшению Версальской
оперы, которую король строил по случаю свадьбы наследника и Марии-Антуанетты.
Пажу декорировал церковь Сан-Луи в Версале, работал в Пале-Рояль, Инвалидном
доме, парижском Дворце правосудия, в орлеанской церкви Санте-Круа, в Шато Бельвью
и многих других. Кроме того, он был исполнителем большей части цикла "Знаменитые
люди Франции". Им выполнены статуи Бюффона, Декарта, Бос-сюэ, Паскаля, Тюренна.
Во второй половине XVIII столетия для французской скульптуры было характерно три
варианта изображения человеческой фигуры: в современном костюме, в виде
обнаженного древнего мыслителя и в виде древнего мыслителя в тоге. Мастер,
работая над скульптурами цикла, воспользовался всеми названными вариантами. Так,
его статуя ученого-естествоиспытателя Бюффона несколько холодна,
отвлеченна, перегружена аксессуарами. Луврский портрет этого же ученого более
удачен. Он изображен в современном костюме с излюбленным Пажу решительным
поворотом головы и замечательно проработанным рисунком тонких кружев на
воротнике рубашки.
Список форумов » КультураНа страницу Пред. 1, 2, 3 След.
  
Страница 2 из 3
Часовой пояс: GMT + 4
Мобильный портал, Profi © 2005-2016
Время генерации страницы: 0.085 сек
Общая загрузка процессора: 4%
SQL-запросов: 4
Rambler's Top100